Alors pour simplifier...
Une image clé est une image "extrême" et déterminante par laquelle passe ton mouvement. Quand Williams parle de raconter une histoire, il parle surtout de l'acting à l'intérieur d'un plan, pas du film entier (même s'il doit vouloir dire que chaque plan est au service de l'histoire en général et que le caractère-acting du ou des persos doit toujours tenir compte du rôle qu'il tient dans l'histoire)
Dans un plan, il y a une action (ou plusieurs) qui est jouée par un personnage. L'acting est le jeu du personnage en fonction de ce qu'il est, de son caractère et de la dramaturgie qui lui est imposée par ce qu'il a à faire en fonction de sa personnalité (important ça).
Donc, quand tu commences à dessiner une action, tu vas essayer de placer les phases qui te paraîssent essentielles pour l'acting du perso. C'est à dire les poses les plus caractéristiques (expressions, mouvements etc) Commencer une anim comme ça est une méthode très efficace et éprouvée qui te permet de survoler et résumer la totalité d'une action particulière. Une fois que tes poses clés sont placées, tu vas faire quelques intervalles pour les fluidifier un peu et aider les mouvements à mieux "passer". Tu flickes tes dessins à la main et/ou tu passes au line test. Ce dernier est très utile parce que tu vas pouvoir affecter un nombre d'images + ou - important à chaque clé... ce qui va produire un durée de de l'action, même réduite à peu de dessins. Avec l'habitude, on arrive à anticiper le rythme (fondamental) qu'aura le mouvement, une fois complété par les intervalles. Les saccades et leur durée induite par ce process sont censées te donner une idée assez précise de ce que tu obtiendras au final.
Et tu vas avancer et construire ton anim comme ça, en ajoutant, soit qq inters, soit en complétant par d'autres clés qui te semblent manquer. Tu peux commencer par placer des inters à des demi (ou milieux) entre chaque clé...puis tu vas affiner le rythme par des inters placés plus près de clés (juste avant et juste après selon ce que tu veux obtenir). Par la suite, il ne sera peut être pas nécessaire de garder les demi qu'on évite en général...ils ne servent qu'à construire le mouvement. Mais c'est fonction de ce que tu animes.
Impossible d'expliquer par écrit, c'est une question de pratique et ça dépend de ton style. Ce n'est pas le nombre de dessins qui compte, c'est leur place. Il existe un tas de ruses pour donner l'illusion des mouvements sans avoir à se retrouver dans des poses compliquées et des dizaines de dessins... mais là aussi, c'est la pratique et surtout, le contact avec d'autres animateurs. Ça fait gagner un temps fou.
Si tu regardes des films image par image, c'est une excellente méthode. Encore faut-il savoir les regarder pour comprendre ce qui se passe dans la technique de l'animateur. De plus, les choses se compliquent car il peut y avoir des échelles d'intervalles très différentes selon la partie du corps de ton perso...un bras peut posséder la sienne, les jambes une autre..etc...
L'anim, comme n'importe quelle autre pratique artistique, a beaucoup évolué au fil des années. Et il y a des différences abyssales entre une 2D disneyenne et un concept comme South Park...où les lipsync (par exemple) ont été résolus de la façon la plus simple et basique qui soit. Les animateurs n'avaient besoin de connaître que les in et out du dialogue par mots et phrases...pas de jeu, un travail simple sur les regards et autres blinks...le minimum. Et au final, dans le style recherché, c'est impec et redoutablement efficace.
Pour un dialogue, en règle générale, on l'enregistre d'abord et on fait une détection ensuite. C'est à dire qu'on retranscrit le son en timing et en nombre d'images sur ce qui ressemble à une feuille d'expo. Ensuite, on place des positions clé sur les sons-images qui correspondent au jeu du personnage en fonction de ce qu'il dit. Le jeu va concerner le lipsync pour placer les positions de bouches déterminantes pour la synchro image-son mais aussi et surtout ce que fait le personnage quand il prononce les mots (gestuelle-acting et expressions). Placer ces dessins est exactement le même processus que placer des clés dans une action. Sauf que là, c'est le Son qui détermine les images. Tu as un cadre précis imposé. Place tes dessins sur des mots..ou des petits blocs de sons (voyelles, consonnes et surtout syllabes..) et fait défiler le tout (dans un logiciel de montage ou de compositing)..tu comprendras mieux la technique évoquée plus haut.
C'est effectivement intéressant de commencer par une bande Son parce qu'il y a un cadre de travail, un timing...et un résultat immédiatement gratifiant et jubilatoire quand la synchro est réussie. Sutout quand on débute. Mais ce n'est pas le plus simple...si tu le fais, et quelque soit ton style, pense toujours à exagérer les poses clé et les mouvements. C'est d'ailleurs, une règle dans l'anim en général, quand on commence. Les subtilités viendront après...
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